Marcus Aitken et Emma Howell
Marcus Aitken et Emma Howell
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Nous avons rendu visite à nos deux artistes abstraits présentés — Marcus et Emma — dans leurs ateliers et espaces d'exposition pour discuter de l'inspiration, des influences musicales, du travail dans leurs ateliers à domicile, de l'importance de la lumière du jour... et de savoir quand poser le pinceau !
Comment êtes-vous devenu artiste ?
J'ai toujours eu une grande fascination pour l'art et la créativité sous diverses formes depuis mon plus jeune âge. Cela inclut la réalisation de sculptures et la pratique de la musique, que je fais encore aujourd'hui et qui influencent d'ailleurs ma peinture gestuelle.
Après l'université, j'ai mené différents projets professionnels : de la fabrication de bijoux, à l'installation d'œuvres d'art en passant par un emploi dans une boutique de yaourt glacé. J'ai ensuite progressivement repris la peinture, qui m'a semblé la plus libératrice de toutes, et je m'y suis donc tenu.
Plus tôt dans ma carrière, j'ai travaillé comme consultant en art, responsable de galerie et technicien en art — il est courant que les artistes aient un emploi annexe pendant qu'ils développent leur pratique. L'art connaît beaucoup de hauts et de bas. Ce n'est que ces dernières années que j'ai pu consacrer pleinement mon temps à ma pratique artistique.
Pouvez-vous nous décrire votre routine quotidienne ?
Je considère mes journées en studio comme un 9h-17h. En général, j’ai toujours besoin d’un plan préparé la veille des projets et des tableaux sur lesquels je souhaite travailler. Je ne passe pas souvent tout mon temps sur une seule chose à la fois à cause du temps de séchage des peintures, donc je passe d’une pièce à l’autre tout au long de la journée. Je produis mon meilleur travail juste avant le déjeuner et, en général, je ne peins pas le soir car je préfère disposer du plus de lumière naturelle possible.
Récemment, j’ai également beaucoup travaillé sur des collaborations que j’ai vraiment appréciées car elles m’ont permis d’envisager ma pratique de manière plus large. Cependant, j’essaie toujours de consacrer du temps à des travaux personnels qui n’ont pas forcément de but final — une fois l’idée dans ma tête, je dois la libérer et la mettre sur la toile ; c’est un processus très cathartique.
Comment décririez-vous votre style abstrait ?
Gestuel, brut, émotionnel et intuitif. Mon travail est généralement basé sur une sensation ou le tempo de la musique que j'écoutais au moment de la peinture.
Gros plan d'une toile abstraite créée pour Sculpd, par Marcus Aitken
"L'art abstrait est sans limites — les gens le regardent de tant de façons différentes. Il continuera de me divertir pour toujours"
Dites-nous à quoi ressemble votre atelier/espace de peinture !
Je travaille dans un loft aménagé dans ma maison. C’est un excellent espace car il y a des fenêtres de part et d’autre de la pièce, donc beaucoup de lumière naturelle, et c’est calme. Le mieux, c’est que c’est mon espace. Si je le laisse en désordre, je peux y revenir le lendemain, ce qui est important car, en tant que peintre, on passe beaucoup de temps à préparer des couleurs. C’est agréable de retrouver quelque chose exactement comme on l’a laissé. Vous trouverez toutes mes peintures empilées sur les côtés de la pièce, une étagère pleine de pots de couleurs pré-mélangées, et une grande table éclaboussée de peinture que je déplace souvent selon ce sur quoi je travaille.
Le studio de Marcus dans le sud de Londres
Quelle est votre source d'inspiration la plus précieuse ?
Peut-être une réponse évidente, mais j’adore visiter des galeries — principalement d'art contemporain. Je m'inspire bien sûr d'autres artistes abstraits, mais souvent la plupart de mes idées, mes formes, mon travail de ligne et mes agencements de couleurs proviennent de peintres figuratifs.
Mon travail, cependant, ne porte pas sur un sujet précis — plutôt sur une sensation. Je me tourne aussi vers l’intérieur, car l’art reflète votre personnalité. Pour moi, je suis une personne expressive et à la pensée rapide, ce qui se traduit bien dans
l’art abstrait.
L’art abstrait est illimité — chacun l’interprète de tant de manières différentes. Il continuera de me divertir.
Toile abstraite créée pour Sculpd, par Marcus Aitken
Qu'est-ce qui, selon vous, distingue vos œuvres réussies de celles que vous aimez le moins ?
Je pense que mes pièces les plus réussies sont celles qui ne se sont pas forcément déroulées comme prévu. La beauté de mon travail et la raison pour laquelle les gens l'apprécient tient à son approche gestuelle brute. On ressent immédiatement la liberté du mouvement et la manière dont tout s'est assemblé. Si une œuvre est moins libre et plus préméditée, on le perçoit.
"Dans un studio silencieux, c’est assez intimidant de se lancer dans une nouvelle pièce. Cela rend presque la toile vierge encore plus intimidante."
Écoutez-vous de la musique ou d'autres sons pendant que vous peignez ?
J'ai toujours de la musique pour entrer pleinement dans le flux. Si je suis dans un studio silencieux, ça devient assez intimidant de commencer une nouvelle pièce. Cela rend presque la toile encore plus vide.
Je suis vraiment passionné de musique, donc j'ai des tas de playlists ; il n'y a pas de genre précis — du classique au post-punk déchaîné, en passant par l'alternatif.
Les différents genres influencent ma façon de peindre : la musique classique lente donne indéniablement des coups de pinceau différents par rapport à quelque chose au tempo rapide. Je nomme d'ailleurs beaucoup de mes œuvres d'après les morceaux que j'écoutais à ce moment-là.
Boys Don't Cry, 50x40cm de Marcus Aitken
Quels sont vos meilleurs conseils pour quelqu'un qui débute en peinture ?
Faites simplement une marque sur votre toile, même si c'est un trait de crayon. Même si c'est une petite chose, cela enlève la pression parce qu'il y a déjà quelque chose. Une toile vierge peut faire peur et cela me semble encore intimidant aujourd'hui.
Créez aussi votre environnement, installez ce qui vous met dans l'ambiance — allumez une bougie, lancez votre musique, etc.
Enfin, n'ayez pas peur de faire des erreurs : parfois ce sont elles qui apporteront les détails les plus intéressants à la toile.
Décrivez comment vous décidez quand une peinture est terminée
C'est toujours difficile à savoir... En général, je prends une photo d'une pièce terminée et je m'éloigne pour prendre du recul par rapport au travail. Je la regarde plus tard dans la soirée et la vois dans un contexte différent, ce qui est un outil vraiment utile. Je prends aussi beaucoup de photos pendant que je travaille pour dessiner par-dessus numériquement et planifier des idées.
Au fil des ans, j'ai appris à mieux prendre cette décision, mais c'est difficile car on peut toujours ajouter et rarement enlever.
Marcus avec sa peinture abstraite Sculpd
Vous pouvez voir plus du travail de Marcus sur :
Comment êtes-vous devenu artiste ?
I've (apparently) expressed an interest in painting and drawing since I was a baby. It's like I have this innate relationship with a paintbrush and a pencil.
After my Dad passed away in 2016, I had to take time off work (marketing/retail) due to poor mental and physical health - I needed to heal and painting was literally all I could fathom. So, I spent a good two years making art messes in the studio above my Dad's music shop, which my Mum had to take over.
As my online following started to grow, so did relationships with other artists and art collectors around the world... which in turn boosted my confidence and willingness to talk about my artwork. Four years later and I've never looked back. Now, I cannot see myself doing anything else.
Pouvez-vous nous décrire votre routine quotidienne ?
Une journée typique commence toujours par des vitamines, du café et une promenade avec Gibson (mon golden retriever) — il n'en est pas question autrement. Gibson ne laisserait pas le matin se dérouler autrement. J'ai la chance d'avoir un bon équilibre vie professionnelle/vie privée et de gérer mes horaires. Je suis beaucoup plus productif(ve) en début de journée : la peinture a généralement lieu entre 9 h et 13 h.
Après le déjeuner, c'est plutôt administratif sur le canapé... sauf lorsque j'ai beaucoup de commandes à rendre. Je suis très exigeant(e) sur mon éclairage, donc je n'aime pas particulièrement peindre lorsque la lumière diminue. Cependant, quand les idées surviennent, je peins à n'importe quel moment. Parfois à 5 h du matin.
Dites-nous à quoi ressemble votre atelier/espace de peinture !
Mon principal atelier/espace de peinture est actuellement notre îlot de cuisine. Nous construisons depuis un certain temps un atelier dans notre jardin, donc tant qu’il n’est pas prêt, le rez-de-chaussée de notre maison servira d’espace de peinture, de poste d’emballage, de bureau et de galerie d’art !
Emma en train de peindre à la Sixteen Gallery, Cheltenham lors de son exposition personnelle
"Mon travail dégage une authenticité humaine... des coups de pinceau rapides et erratiques peuvent indiquer de la frustration ou de l'excitation; de larges lavis audacieux de couleur pour l'enthousiasme et la confiance; des lignes répétitives suggèrent des moments de méditation et de réflexion…"
Comment décririez-vous votre style abstrait ?
Je dirais que cela va principalement de l'expressionnisme abstrait brut à la nature morte chaleureuse et éclectique. Il y a un accent sur la couleur et les traces du geste, c'est certain. Il est important pour moi que mon travail dégage une humanité authentique, tu sais — qu'on voie réellement que l'œuvre a été créée par un individu. Des coups de pinceau rapides et erratiques qui peuvent traduire de la frustration ou de l'excitation ; de larges lavis de couleur audacieux pour l'enthousiasme et la confiance ; des lignes répétitives qui suggèrent des moments de méditation et de réflexion…
Vous ne me trouverez pas souvent avec un seul style — j'écoute ce que mon esprit et mes mains veulent créer et je les laisse faire. Je n'aime pas suivre les foules ni les modes.
Gros plan d'une toile abstraite créée pour Sculpd, par Emma Howell
Quelle est votre source d'inspiration la plus précieuse ?
Documenter la vie est véritablement ma source d'inspiration la plus importante. Notre environnement, nos conversations et nos émotions changent tellement, et mon œuvre change avec eux. Les paysages et les cafés sont deux catalyseurs d'idées fréquents. Pour moi, rien n'est plus charmant, attachant et nostalgique que d'observer et d'écouter les gens dans les cafés. Le bruit du vent, la couleur de la veste d'un gentleman, du sable entre les orteils, un échange de paroles en colère… mon travail prend naissance à partir de ces expériences.
Emma utilise des carnets de croquis pour consigner son inspiration et la retranscrire dans ses peintures.
Quelle est votre plus grande influence artistique ?
Sur le plan personnel et sentimental, mon père. Il m'a toujours encouragé à travailler pour moi-même et à suivre mon rythme créatif — comme il le faisait avec sa musique. Sa nature silencieuse et son extrême modestie mettaient tellement l'accent sur la passion qu'il avait pour la mélodie et l'instrument. C'est vraiment dommage qu'il ait fallu sa disparition pour que je me lance enfin à fond dans cette carrière. C'est pourquoi chaque exposition et collection d'art que je crée lui est toujours dédiée.
Sur le plan pratique, le travail audacieux et polyvalent de Matisse et Picasso m'a toujours attiré. Le geste, les teintes franches et le fait de peindre sans complexe ce qu'ils voulaient, de la manière dont ils le ressentaient, est tout simplement sublime. Qui a besoin d'un seul style et qui a besoin de précision ? Pas eux.
Qu'est-ce qui différencie, selon vous, vos œuvres réussies de celles que vous appréciez le moins ?
Si je finis par ne pas aimer une œuvre, c'est généralement parce qu'elle a été trop travaillée - soit le flux oculaire est inconfortable, soit les couleurs semblent boueuses ou ne fonctionnent pas ensemble (l'éclairage et le lieu d'exposition peuvent modifier cela) ou la composition a accidentellement formé une figure/forme/image que je ne peux m'empêcher de voir (p.ex. un visage abstrait ou un objet). À mes yeux, les œuvres réussies sont celles qui suscitent la conversation et stimulent l'émotion ; des pièces qui servent de souvenir ou de keepsake d'une expérience.
Écoutez-vous de la musique ou d'autres sons pendant que vous peignez ?
Je n'écoute de la musique en peignant que si elle a été demandée pour une commande, ou si je sens que la collection que je crée a besoin d'une influence extérieure. Je demande souvent à mes collectionneurs qui passent des commandes s'ils souhaitent que je peigne en suivant une playlist précise, au cas où cela influencerait l’œuvre. Quand je travaille sur mes propres tableaux, je mets généralement un podcast.
Terrain Pieces, 2022 par Emma Howell
"Certaines situations désordonnées peuvent se transformer en chefs-d'œuvre. Les erreurs peuvent être magnifiques, alors persévère. "
Quels sont vos meilleurs conseils pour quelqu'un qui débute en peinture ?
La première chose qui vient à l'esprit, c'est qu'il n'y a pas de règles. Laisse ta main et ton esprit guider — laisse tes instincts dicter l'œuvre et ne te prends pas la tête avec la création des marques. Certains désordres peuvent se transformer en chefs-d'œuvre. Les erreurs peuvent être magnifiques, alors persévère.
Expliquez comment vous décidez quand un tableau est terminé
Vous reculez et il y a une aisance que vous seul connaissez. Il y a une harmonie entre les traits et les couleurs ; une composition réconfortante qui vous fait sourire et pousser un soupir de soulagement.
Gibson dans la galerie
Vous pouvez voir davantage le travail d'Emma sur :